Premiar a Franco es premiar al cine no ya de serie B, sino al de serie Z o W, si es que se admite la existencia de tales categorías. Franco ha sido un hombre de cine en el sentido más estricto de la palabra. Debutó como ayudante de direccción de gentes como Bardem o el mismísimo Orson Welles, con quien colaboró en los rodajes de Campanadas a medianoche y la inacabada Don Quijote.

Su debut como director se produjo a finales de los 50, pero se consagró en 1962 con uno de los títulos claves del cine de terror español, Gritos en la noche, para muchos sumejor película. Desde entonces, inició una prolífica carrera que le llevó a rodar hasta ocho filmes en un mismo año. Filmes de terror, de espías y eróticos, con un toque pop y anárquico, en las que destrozaba voluntariamente cualquier noción de caligrafía cinematográfica. Vampyros lesbos, Bésame mosntruo o Drácula contra Frankenstein, serían sus filmes más destacados.

A partir de los ochenta, Franco se especializó en realizar gores mugrientos y filmes eróticos que rozaban lo casposo. Títulos como Macumba sexual, Mil sexos tiene la noche o Una rajita para dos, hablan por si solos. Pese a ello, la popularidad de Franco no ha decrecido entre los aficionados al cine de subgénero, y hoy por hoy es un icono para muchísimos realizadores jóvenes. En especial para el malagueño Pedro Temboury, quien le rindió homenaje ofreciéndole un papel de chino d eopereta en ese monumento al desmadre cinematográfico que es Kárate a muerte en Torremolinos.

Por eso, me alegro muchísimo del premio que va a recibir Jesús Franco. Un merecidísimo reocnocimiento a un hombre cuyas películas educaron a toda una generación (la mía) curtida en los progrmas dobles de las salas de barrio, y en los videoclubs más costrosos de los años ochenta.

PD. Hay otra razón por la que Franco me cae bien. Es uno de los pocos directores que ha tenido el ojo de darle un papel (en la película Dark mission) a la Cyd Charisse española, una de las mejores actirces de este país (tal y como ha demostrado en su amplia trayectoria teatral) y totalmente desaprovechada por el cine nacional. Lo cual demuestra la ceguera de quienes manejan la “industria” nacional.

Para comprender bien su historia, hay que explicar bien que es el territorio de Hong Kong. La antigua colonia británica se divide en dos grandes distritos: Central, situado en la isla de Hong Kong, y que es el que siempre aparece en las fotos que muestran el espectacular skyline de esta ciudad, y Kowloon, que se encuentra al otro lado de la bahía, ya en el continente.

A principios del siglo XX, en las afueras de Kowloon se alzaba un fuerte del ejército inglés. Una larga disputa diplomática entre el gobierno británico y las autoridades chinas no aclaró a quien pertenecía la soberanía de aquella pequeña parcela, que acabó convirtiéndose en una extraña tierra de nadie.

Tras la revolución comunista, los refugiados que huían de China pero por diversos motivos no obtenían permiso para entrar en Hong Kong, se iban quedando a vivir en aquellas viejas instalaciones militares. Poco a poco, el antiguo fuerte fue derribado y en su lugar empezaron a construirse edificios improvisados. Con el paso de los años aquello se convirtió en una alucinante ciudad en miniatura.

Cuando ya no hubo más terreno para construir, se empezaron aedificar edificios encima d elos ya existentes, sin cimientos algunos, apoyándose los unos en los otros. Las calles del interior formaban un auténtico laberinto en el que ninguna sobrepasaba el metro de ancho. La luz nunca llegaba al fondo de aquella selva de cemnto y metal y sus habitantes se alumbraban perpetuamente con el resplandor de neones improvisados.

En la ciudad amurallada llegaron a avivir miles de personas, convirtiéndose en en el lugar con mayor densidad de población dle mundo. Una auténtica comundiad anarquista, sin ley, gobierno ni policía, en el que la única autoridad existente era la que imponían las tríadas chinas. Nadie se atrevía a aventurarse en su interior hasta que a principios de los años 80, unos ingenieros japoneses dedicaron un mes de su vida a explorar la ciudadela para trazar el único mapa existente de aquel lugar

Finalmente, a mediados de los 80 los británicos consiguieron la soberanía sobre aquella porción de terreno y empezarona hacer redadas en su interior. El último paso fue su demilición, que se efectuó en 1993. Ahora, en aquel lugar se levanta un parquecito zen, con un templo budista, árboles y un lago. La ciudad ha ganado en habitabilidad, de eso no hay duda, pero el universo de la aventura ha perdido uno de sus rincones más míticos.

Pero lo bueno del cine exploit es que nunca deja de sorprenderte La prueba de ello es que rebuscando en sus profundidades abisales he tropezado con esto: ¡el remake nigeriano de Titanic!

Es para verlo y no creerlo. El director, Farouk Ashou Brown, ha robado directamente los planos más espectaculares del filme de James Cameron, y los ha intercalado con los de su protaognistas, todos ellos evidentemente de raza negra.

La cinta está realizada en vídeo, algo habitual en las producciones de la industria cinematográfica nigeriana (conocida popularmente como Nollywood), y me gustaría destacar dos cosas. La canción de Celine Dion directamente plagiada por una vocalista local.Yy el letrero que han incluído los productores afirmando que la cinta está dedicada a todos los negros fallecidos en el naufragio del Titanic. Pero investigando un poco, solo he logrado confirmar la muerte de uno, un fogonero originario de Hahití.

PD: Hacen falta unas tragaderas enormes para verse el vídeo completo. Avisados estais.

Por eso, ahora que el mundo se enfrenta nuevamente al pánico y a la incertidumbre de un apocalipsis financiero del que nadie (digan lo que digan) sabe como y cuando vamos a salir, me ha parecido realmente genial la pórtada del último número de la revista New Yorker.

La imagen que la ilustra remite directamente a La máscara de la muerte roja, uno de los relatos más macabros y malsanos de Edgar Allan Poe, llevado al cine en 1964 por Roger Corman en una película igualmente malsana y macabra protagonizada por Vincent Price.

Para quien no haya leído el libro ni visto la película, contarles que la muerte roja es una letal y repulsiva plaga medieval que se propaga por el centro de Europa. Sus víctimas empiezna a sangrar por la comisura de los ojos y mueren con el rostro mudado al color rojo. Un grupo de aristócratas decadentes se encierran en su castillo y se entregan a juegos y diversiones perversas, creyendo que la plaga no atravesará los muros de su refugio . Pero se equivocan…

Así, como en la historia de Poe, la portada de New Yorker muestra a la muerte roja irrumpiendo en Wall Street y matando a los nuevos aristócratas depravados (los brrokers y financieros) con solo enseñarles un balance catastrófico. El autor de El pozo y el péndulo se sentiría orgulloso.

Con motivo del pase de Martyrs, un festival gore de nacionalidad francesa que, en opinión de algunos comentaristas, ha sido la cinta más salvaje proyectada en toda la historia del festival (aún sin haberla visto, me cuesta creer en tal afirmación), los responsables del evento colocaron varias ambulancias a la entrada del cine donde se proyectaba la película para atender a las víctimas de posibles ataques cardíacos.

Con esta iniciativa, Sitges entraba de lleno en el terreno del gimmick y rendía tributo a su inventor William Castle. ¿Y que es un gimmick? Es como llaman los americanos a cualquier truco publicitario exagerado y a veces grotesco usado para promocionar una película.

Precisamente, lo de las ambulancias ya se lo inventó el citado William Castle cuando estrenó en 1958 su película Macabre. Contrató figurantes vestidos de sanitarios para que se colocasen a la puerta de los cines. Además, un falso agente de seguros ofrecía a los espectadores una supuesta póliza para recibir mil dólares en el caso de que sufrieran un ataque al corazón viendo la película.

Por eso, me dado pena perderme lo de Sitges. Porque me resulta encantador cualquier esfuerzo encaminado a garantizarle al espectador emociones fuertes en una película.

Lo malo de un actor como él, es lo difícil que resulta hacerle un homenaje sin caer en el tópico. ¿Realmente vale la pena recordar una vez más El buscavidas, La gata sobre el tejado de zinc o El golpe? Son películas que ya están en la mente de cualquier aficionado, y desde aquí no vamos a descubrirle nada nuevo a nadie.

Por eso, he querido elegir para esta ocasión una escena realmente impresionante de una de sus películas menos populares, pero por la que siempre he sentido una gran pasión. Se titula Sometimes a great notion (1971), aunque aquí en España la rebautizaron como Casta invencible. Trata sobre una familia de madereros en Oregón, y junto a Newman (que también acabó dirigiéndola) la coprotagonizó el gran Henry Fonda.

La escena que he elegido sucede cuando Newman trata de liberar a su primo que ha quedado aprisionado bajo el gigantesco tronco de un arbol. El personaje del primo está interpretado por Richard Jaeckel, uno de esos “secundarios” de raza curtido en decenas de westerns y films bélicos y de cine negro y que aquí tuvo su momento de gloria ganado por esta secuencia el oscar al mejor actor secundario. Newman también está soberbio y podría haberse llevado cualquier premio por este papel.

Habré visto la película seis veces, pero esta escena me sigue poniendo un nudo en la garganta. Es un poco larga (diez minutos), pero merece la pena verla hasta el final.

Goodbye Paul.

Deafula (1975) es una película de la que casi nadie había oido hablar. Y utilizo el término “oido” con doble sentido, ya que los actores del filme no pronuncian ni una sola palabra, porque se trata de la única película rodada integramente en el lenguaje de signos para sordomudos.

Semejante dato ya la convertiría en una rareza digna de ser tenida en cuenta; pero es que su argumento la sumerge ya de lleno en los páramos del cine más bizarro que se pueda imaginar. Steve es un joven sordo, estudiante de teología, que tiene una extraña fijación por la sangre. Más extraño resulta que, cuando por fin se decide a probar su sabor, se transforma en un extraño ser moreno y con bigote que resulta ser el mismísimo conde Drácula.

Y todo este delirio interpretado por un conjunto de actores que no se expresan con palabras sino mediante gestual que (sin subtítulo alguno) resultan incomprensibles para espectadores como yo. Tal vez por eso, los productores incluyeron ocasionalmente una voz en off que resume las incidencias de la trama. En definitiva, una película que demuestra que los abismos del infracine son nsondables.

Los tres primeros puestos están ocupados por tes filmes inapelables, Raíces profundas, Solo ante el peligro y Centauros del desierto. Lo que ocurre es que me parece una elección demasiado canónina. Los tres son westerns de qualite, en los que prima lo artístico sobre lo popular, y eso es algo que me tira un poco para atrás.

Por eso, y porque no tengo nada mejor que hacer a esta hora de la mañana. Aquí va la lista con mis cinco westerns preferidos:

1. Las aventuras de Jeremias Johnson (Sydney Pollack, 1972). Creo que puedo afirmar que es mi pelicula preferida de todos los tiempos. Robert Redford interpreta a un desertor del ejército que se va a vivir a las montañas rocosas y se convierte en un experimentado cazador. Forma una especie de familia disfuncional adoptando a un niño autista superviviente de una matanza y casándose con una india que no habla su idioma, y se convierte en una leyenda peleando con los pies negros.

2. La venganza de Ulzana (Robert Aldrich, 1972). Tiene una trama mínima. Un grupo de apaches escapa de la reserva en la que estaban confinados e inician una sangrienta razzia, mientras son perseguidos por un destacamento militar. Se la recuerda especialmente por sus sangrientas y violentas escenas, pero su gran mérito es su tono seco, polvoriento, de un realismo casi doloroso. Y un guión plagado de frases memorables. “Ya lo dijo el general Sheridad, si fuera propietario del infierno y de Arizona, viviría en el infierno y alquilaría Arizona’. “Pero señor, eso lo dijo de Texas”. “Puede ser, pero seguro que estaba pensando en Arizona”.

3. Murieron con las botas puestas (Raoul Walsh, 1941). ¿Existe aún alguien que no la haya visto? Esta biografía del general Custer se disfruta del principio al final.

4. El Dorado (Howard Hawks, 1966). Una especie de remake de Río Bravo pero mejor aun (si eso es posible), con John Wayne y Robert Mitchun como antihérores envejecidos. Humor, acción y exaltación de la amistad por encima de cualquier otra cosa.

5. Los profesionales (Richard Brooks, 1966). Burt Lancaster, Lee marvin, Robert Ryan y Woody Stroode son cuatro mercenarios contratados en 1913 para ir a México a liberar a una mujer supuestamente secuestrada por un bandolero. Es difícil encontrar un filme de acción tan magnífico que a la vez resulta ser una de las mejores reflexiones que el cine americano ha realizado sobre su politica intervencionista. Y si hablábamos de diálogos memorables esta tampoco se queda corta. Para muestra; “Es usted un bastardo”. “Puede ser. Pero en mi caso solo es un problema de nacimiento. En cambio, usted se ha hecho a sí mismo”.

Estos son los míos. Por supuesto, estoy esperando los vuestros.

Uno. La gran decepción que supuso para mí hace unos años leer La caverna de Saramago, novela que giraba en torno a este asunto, que cogí con enorme ilusión y que terminé con profundo desinterés.

Y dos. Que en el tema de los centros comerciales, ni Saramago ni nadie podrá superar nunca la labor de George A. Romero en su película Zombie (1978). Quien haya visto el filme sabrá lo que quiero decir, y quien no lo haya hecho ya puede ir corriendo a pillarse el DVD y disfrutar de una de las películas de terror más intelignetes que jamás se han realizado.

Sin destripar nada sustancial resumiré su argumento: los muertos han regresado a la vida devorando a los vivos. El caos se apodera por doquier en una gran ciudad, y un grupo de supervivientes (dos francotiradores de la policía, una periodista, un pandillero latino, una pareja en crisis…) se refugian en el interior de un centro comercial, con vertido en una especie de Álamo contemporáneo asediado por las hordas de zombis que pretenden entrar para comerse sus entrañas. Así, el centro comercial se transofrma en el último reducto de nuestra humana civilización. Un legado que quizás en el fondo no merezca la pena conservar.

Sobre todo esto pensé durante mi visita del domingo pasado, y me vino a la memoria una de las frases de la película (que pude releer hac eunos días en el magnífico El blog ausente), en la que uno de los polis protagonistas se refería a los zombis: “Cuando estaban vivos venían al centro comercial para divertirse. Ahora estan muertos pero siguen viniendo… aunque no sepan para qué”. Lo dicho. Romero era un visionario.

Y voy a comenzar la serie glosando la figura de John Liu, un personaje que en un pais como el nuestro (que sido capaz de elevar a los altares de la fama a seres como Pozi, Arlequín o Paco Porras), debería ser reverenciado en todos los altares catódicos.

John Liu fue uno de los numerosos clones de Bruce Lee que surgieron a finales de los años 70, tratando de rentabilizar sus habilidades apra las artes marciales en títulos en los que imitaba a la estrella de Hong Kong. Pero cuando la fiebre de la bruceexploitation comenzó a amainar en Asia, el amigo Liu se dijo: ¿donde puedo encontrar un lugar con un público poco exigente y una industria inexistente en la que yo pueda seguir rentabilizando mis habilidades para dar patadas? Pues está claro, en España.

Así que a principios d elos 80 John Liu se instaló en la costa catalana. Si le hubiera dado por abrir un todo a cien hoy le consideraríamos un visionario y había ganado algún premio al empresario emprendedor. Pero le dio por otros asuntos y acabó como acabó. Pero no adelantemos acontecimientos.

En 1984, Liu facturó en nuestro pais la “obra maestra ” de su carrera, una cosa titulada Made in China que está considerada una de las peores películas de todos los tiempos. Dirigida y protagonizada por él mismo, acompañado por Mirta Miller, Blanca Estrada y Victor Israel (el star system patrio de la época), cuenta la historia de un experto karateca reclutado por la CIA y enviado a una base secreta en Zaire para seguir un entrenamiento especial. Resulta gracioso que siendo una película ambientada en África no salga ni un solo negro, por no decir que en una escena callejera se ve una tienda con un rótulo que dice clarisimamente “Carnissería María”. ¿En Zaire hablan catalá?

Semejante truño cinematográfico fue un fracaso de tomo y lomo, pero como mezclaba descaradamente las artes marciales con el erotismo light, se volvió a estrenar conel título cambiado y rebautizada como Kung Fu contra Emmanuel. Y, vaya por Dios, esta vez si que tuvo cierto éxito.

Por semejante despropósito, John Liu ya debería figurar en el parnaso de nuestras glorias nacionales adoptivas pero es que hubo más, mucho más. Al parecer fue novio de la guapa y simpática Mónica Pont. Antes, claro está, de acabar en prisión por un delito relacionado con la trata de blancas. Parece ser que el amigo Liu, al que por algo en Barcelona le llamaban Juanito Lios, contrataba chicas menores de edad para hacer presentaciones artísticas en ciudades asiaticas, tras las que se escondían asuntos más turbios.

Si mis informaciones no me fallan, Liu ya cumplió su condena. Pero, disgustado con el trato que le dimos (oh, ingratos) dejó nuestro país y creo que anda por Hong Kong. Liu, machote, vuelve. Te necesitamos para rodar Made in China 2 o almenos para que Santiago Segura te de un papelito en Torrente 4.